Pace se complace en presentar Illusive Places: Thomas Chapman, Alejandro Garmendia, Louis Jacquot, Lucy Mullican, Milko Pavlov, una exposición colectiva comisariada por Cy Schnabel, en su galería de Seúl. Esta exposición, que podrá verse del 10 de mayo al 15 de junio, reúne obras de artistas que, de un modo u otro, comparten el interés por reinventar la pintura de paisaje. Estos cinco artistas -Thomas Chapman, Alejandro Garmendia, Louis Jacquot, Lucy Mullican y Milko Pavlov- utilizan el paisaje como punto de partida para crear enfoques matizados del tema, la forma y el contenido.

 

A lo largo de esta exposición, los escenarios naturales se convierten en reinos imaginarios que sugieren nuevas perspectivas del mundo físico y de la vida en general. El sentido abstracto del espacio en las imágenes expuestas da paso a composiciones inestables cargadas de deseo, fantasía y, a veces, soledad. Diversas visiones psicológicas conllevan sus propias resonancias y conectan a través del interés de cada artista por presentar una irrealidad distinta en su obra. Utopías, pesadillas, alucinaciones y recuerdos fragmentados se materializan en estos lugares ilusorios.

 

Thomas Chapman (b. 1975, San Diego, California)

Tras experimentar con lienzos de formas durante más de 20 años, Thomas Chapman ha vuelto a la pintura figurativa, desarrollando un estilo muy influido por sus dibujos de la vida cotidiana. Al igual que sus Lake Paintings, las obras expuestas en Illusive Places son estudios voyeuristas de momentos de ocio. Las imágenes superpuestas que dan lugar a una densa neblina atmosférica hacen que las figuras que pueblan estas escenas inventadas sean apenas perceptibles. A lo largo de su obra, telas encontradas, collage, tipografías robadas, rotuladores, pintura, marcas de lápiz, pegamento y muchos otros elementos componen las superficies de sus cuadros. Las formas poco ortodoxas de algunos de los primeros lienzos de Chapman se inspiran en diversos temas: astronomía, mitología e historia antigua. Con un enfoque poco convencional de la pintura, Chapman utiliza soportes y muchas capas de información visual, a veces contradictoria, como rasgos comunes de su variada práctica.

​

Alejandro Garmendia (n. 1959-d. 2017, San Sebastián, España)

Las tres obras expuestas de Alejandro Garmendia pertenecen a su serie Pinturas Sucias. Pero, ¿por qué sucias? Seguramente tiene que ver con el aspecto turbio de estas pinturas. Su ejecución desordenada con una paleta de colores turbios, que refleja la aceptación por parte del artista de los accidentes y las imperfecciones como parte de su práctica, confirma que su proceso para estas obras es coherente con sus fundamentos conceptuales. La idea misma de un paisaje «sucio» sugiere que Garmendia cuestionaba la legitimidad del propio acto de pintar y, más concretamente, el impulso de hacer algo remotamente pastoral en la época contemporánea. Otro gesto irónico y subversivo, consciente del riesgo del tema elegido, ya que los cuadros parecen tan opuestos a las tendencias vanguardistas y a la trayectoria general del arte contemporáneo. En cualquier caso, estas obras sirven de pretexto a sus experimentaciones con el linaje surrealista que tanto admiraba, junto con otras referencias históricas del arte. Garmendia documentó lo inexistente, creó composiciones físicamente imposibles y, en definitiva, presentó una distanciada visión metafísica del mundo que evoca extrañeza y desorientación.

​

Louis Jacquot (n. 1994, París, Francia)

La práctica de Louis Jacquot gira en torno a las relaciones entre objetos e imágenes. Las pinturas escultóricas del artista combinan gestos minimalistas con elementos iconográficos. Blinky (2022) e Imi (2022), las dos obras presentes en esta exposición, dan la vuelta a espacios íntimos y objetos domésticos para crear perspectivas ilusorias. En manos de Jacquot, el tema íntimo trasciende la imagen para abarcar todo el cuadro. Tanto el material -la ropa de cama- como la forma de los lienzos -como la de un cuaderno de bolsillo- hablan del contacto directo con el cuerpo. En el pasado, durante su licenciatura en la École des Beaux-Arts de París, el artista mantuvo un espacio de trabajo más parecido al taller de un carpintero que al estudio de un pintor. Evitaba sus «propias» marcas en favor de objetos prácticamente desprovistos de cualquier elemento gráfico. En los pocos casos en que se aplican pigmentos, Jacquot elige imágenes que podrían pertenecer a cualquiera. Sus obras anteriores muestran un vocabulario impersonal de símbolos genéricos encontrados y apropiados de la calle; cualquier emblema universal se convertía en tema de interés para él.

​

Lucy Mullican (b. 1994, Nueva York)

Los cuadros de Lucy Mullican utilizan la línea del horizonte como recurso compositivo para crear una tensión entre la gravedad y el espíritu humano, que, en contraste con la primera, se encuentra siempre en estado de ascensión. Podemos trazar mapas de mundos etéreos en sus obras, que en última instancia son autorretratos. La artista ha experimentado una transformación espiritual que se hace evidente en su abandono de la pintura de cascadas, islas y ríos en favor de una consideración más contemplativa e interior de la mente y los órganos. Los ambientes exteriores se mezclan con las formas corporales, creando paisajes antropomórficos. Sus delicadas pinturas sobre madera constan de muchas capas de pigmentos minerales y líneas pulsantes que crean superficies translúcidas. Lo que la artista denomina «bolsillos» o «agujeros» dentro de sus composiciones funcionan como portales que permiten al espectador viajar de un cuadro a otro. Los pigmentos naturales de la acuarela y los receptores de madera se funden, reflejando la habilidad innata de la artista para comprender su medio y emplear la fluidez técnica. La penetrante visión de Mullican va más allá de la superficie para revelar lo que no podemos ver y acercarnos a lo que sentimos. Momentos transitorios inundados de luz encarnan la representación que la artista hace del espíritu.

​​

Milko Pavlov (n. 1956, Aytos, Bulgaria)

Los cuadros de Milko Pavlov representan un mundo natural imaginario en el que las formaciones rocosas, los árboles, el agua y otras materias orgánicas se han vuelto irreconocibles. La mezcla pictórica del artista de representación naturalista y abstracción crea una vasta escala dentro del plano pictórico que es una forma siempre cambiante de ver. En la obra de Pavlov, la forma, la superficie y la composición se desarrollan en respuesta a la propia pintura como tema. Sus obras de frottage en blanco y negro -una técnica que ahora aplica al lienzo- son una continuación de la obra gráfica que realizaba en Bulgaria a principios de la década de 1990. La colorida paleta del artista deriva de su temprana exposición a los pintores iconográficos búlgaros de los siglos XVIII y XIX, que desvió su atención hacia las obras de arte religioso en lugar de asimilar las ideas formales relacionadas con la estética realista socialista dominante en el país en la década de 1970. Con sus títulos, Pavlov se interesa por una dimensión conceptual que refleja una intersección de distintos momentos en el tiempo. En muchos casos, los títulos de sus obras pueden contener múltiples fechas aún por llegar, como ocurre con 2133-2 MPП 2042 (2024) y B.V 2099 MPП 2065 (2022), ambas incluidas en la exposición de Pace en Seúl. A través de estas referencias a tiempos futuristas, Pavlov desafía la esperanza de vida de todo: de sí mismo, del espectador, del propio cuadro. La forma en que el artista organiza el espacio en sus cuadros -es decir, la composición- recuerda vagamente a montañas o paisajes, un gesto subconsciente que tal vez ilustre la naturaleza montañosa de su país natal.